HỌA SĨ GUSTAV KLIMT HỌA SĨ VĨ ĐẠI CỦA THẾ KỶ 20

Có thể bạn quan tâm

Nhảy tới nội dung HỌA SĨ GUSTAV KLIMT HỌA SĨ VĨ ĐẠI CỦA THẾ KỶ 20

QDN
Tháng mười 9, 2018
2:41 chiều
No Comments

Những tưởng thế kỷ 20 – một thế kỷ hiện đại với sự phát triển mạnh mẽ của Internet thì sẽ không thể có những danh hoạ nổi bật nào. Thế nhưng Gustav Klimt – một hoạ sĩ người Áo đã làm thay đổi suy nghĩ đấy với những tác phẩm vĩ đại đầy các giá trị nghệ thuật.

HỌA SĨ GUSTAV KLIMT HỌA SĨ VĨ ĐẠI CỦA THẾ KỶ 20

Họa sĩ Gustav Klimt. Họa sĩ người Áo (1862-1918)

Trường phái: Biểu tượng, Art Nouveau, The Vienna Secession, The Wener Werkstätte

Tóm tắt

Họa sĩ người Áo Gustav Klimt có rất nhiều sáng tạo. Ông vẫn được nhớ đến như một trong những họa sĩ vĩ đại nhất của thế kỷ 20; đồng thời cũng sáng tác một trong những tác phẩm nghệ thuật gợi cảm quan trọng nhất của thế kỷ. Ban đầu thành công trong lĩnh vực kiến trúc nghệ thuật; cuộc gặp gỡ của ông với xu hướng hiện đại hơn trong nghệ thuật châu Âu đã khuyến khích ông phát triển phong cách riêng của mình.

Là người đồng sáng lập và là chủ tịch đầu tiên của Vienna Secession; Klimt cũng đảm bảo rằng phong trào này sẽ trở nên có ảnh hưởng rộng lớn. Klimt không bao giờ dính vào các vụ bê bố; nhưng vấn đề gây nhiều tranh cãi về công việc của ông trong một trung tâm nghệ thuật truyền thống rất bảo thủ đối với sự nghiệp của ông. Mặc dù anh chưa bao giờ kết hôn, Klimt vẫn có liên hệ lãng mạn với một số người tình; anh được cho là đã làm cha cho mười bốn đứa con.

The Auditorium of the Old Burgtheater (1888-89)

Mô tả và phân tích:

Đây là một tác phẩm quan trọng trong khởi đầu của sự nghiệp của Klimt. Hội đồng thành phố Vienna đã yêu cầu Klimt và đối tác Franz Matsch vẽ hình ảnh của Burgtheater cũ; nhà hát opera của thành phố – được xây dựng vào năm 1741 và dự kiến sẽ phá hủy sau khi thay thế. Hoàn thành vào năm 1888 – như một kỷ lục về sự tồn tại của nhà hát.

Không giống như bản sao của Matsch trong bức ảnh này; nó cho thấy hình ảnh của Burgtheater từ một chỗ ngồi trong khán phòng; một sự lựa chọn kỳ lạ, nhưng nó khá quan trọng về mặt kiến trúc, vì nó cho thấy sự sắp xếp đầy đủ các không gian và thính phòng ghế sàn cùng với trang trí trần nhà. Nó là điển hình của phong cách học tập trong công việc ban đầu của Klimt, và ảnh hưởng của Hans Makart.

Gouache on paper – The Historical Museum of Vienna

Pallas Athene (1898)

Mô tả và phân tích:

Mặc dù những người ly khai Secessionist được biết đến như một nhóm cố gắng phá vỡ truyền thống nghệ thuật; mối quan hệ của họ với quá khứ phức tạp hơn một tâm lý hướng tới tương lai đơn giản. Klimt, cùng với nhiều họa sĩ và nghệ sĩ đồ họa của ông; đã trau dồi sự hiểu biết về bản chất tượng trưng của các nhân vật và câu chuyện thần thoại và ngụ ngôn từ Hy Lạp; Rome và các nền văn minh cổ đại khác.

Với màu sắc mềm mại của mình và ranh giới không rõ ràng giữa các yếu tố; Klimt bắt đầu giải thể hình tượng theo hướng trừu tượng; điều đó sẽ có hiệu lực đầy đủ trong những năm sau khi ông rời khỏi cuộc ly khai. Bức tranh này toát ra một cảm giác về sự hiện diện mạnh mẽ của hoàng đế Greco-La Mã, Athena; và sự bất lực của con người để nắm bắt đầy đủ; hơn là một sự tổng kết trực quan chi tiết về nhân cách của cô.

Oil on canvas – Collection of the Wien Museum, Vienna

Phong cách mờ ảo của hình ảnh cho phép Klimt nhấn mạnh nhân vật giới tính ái nam ái nữ; làm mờ đi bản sắc giới tính được mô tả trong các mô tả cổ xưa của bà; và được khám phá bởi nhiều nghệ sĩ khác. Mặc trang phục quân sự theo truyền thống nhận diện bà là một chiến binh và là người bảo vệ thành phố cùng tên của mình, Athens – những phẩm chất thường gắn liền với nam tính.

Chỉ có những sợi tóc mỏng rơi xuống từ mỗi bên cổ cô ấy (và gần như pha trộn với màu vàng của mũ và tấm giáp của cô) gợi ý một chút về giới tính nữ của cô ấy. Có thể nhìn thấy rõ ràng ở phía bên trái của bức tranh; cô ấy giữ hình khỏa thân của Nike; đại diện cho chiến thắng; thể hiện sự nữ tính của bức tranh.

Medicine (1900-1901)

Mô tả và phân tích tác phẩm nghệ thuật:

Năm 1894, Klimt được Bộ Văn hóa ủy nhiệm để cung cấp các bức tranh cho Đại sảnh mới của Đại học Vienna. Công việc của Klimt là vẽ ba bức tranh hoành tráng liên quan đến chủ đề của Triết học, Y học và Luật học. Chủ đề bao quát được cho là để thống nhất ba bức tranh là “chiến thắng của ánh sáng trong bóng tối”; trong đó Klimt được trao một bàn tay tự do. Y học, bức tranh thứ hai trong số ba được công bố, là tác phẩm gây tranh cãi nhiều nhất.

Chi tiết của bức tranh Y học cho thấy hình ảnh của Hygeia; con gái thần thoại của thần y học; người nằm ở trung tâm dưới cùng của vải và được xác định bởi một con rắn đi kèm và chén Lethe. Phía trên Hygeia đã tăng một cột sáng cao; bên phải là một mạng lưới các hình khỏa thân đan xen với bộ xương của Tử thần.

Oil on canvas – Destroyed in 1945

Ở phía bên kia của cột sáng một cô gái khỏa thân có xương chậu bị đẩy về phía trước, trong khi dưới chân cô ấy thả một đứa trẻ sơ sinh (mà cô ấy vừa mới sinh ra) được bọc trong một dải vải tuyn. Hình ảnh gây ra một cơn bão chỉ trích trên hai cấp độ. Thứ nhất, các cán bộ khoa và Bộ đã buộc tội đó là khiêu dâm, đặc biệt là phụ nữ với khung xương chậu đẩy – qua đó chứng tỏ sự bất ổn của cộng đồng văn hóa Vienna. Thứ hai – có lẽ là một lập luận hợp lệ hơn – bức tranh không làm gì để minh họa các chủ đề về y học, hoặc là một công cụ phòng ngừa hoặc chữa bệnh.

The Beethoven Frieze (1902)

Mô tả và phân tích:

Beethoven Frieze được vẽ bởi Klimt cho triển lãm Secession lần thứ 14 vào năm 1902; được cho là nổi tiếng nhất của nhóm; dành riêng cho nhà soạn nhạc Đức là một cư dân Vienna lâu năm. Nó là một tác phẩm hoành tráng; dài khoảng 7 feet dài 112 feet và nặng 4 tấn. Được vẽ trên các bức tường bên trong của Tòa nhà Secession; nó được bảo tồn nhưng không được mở cửa cho công chúng cho đến năm 1986.

Beethoven Frieze tạo thành một phần của triển lãm Gesamtkustwerk. Đối với họ, điều này thường bao gồm tất cả các nhánh của nghệ thuật – không chỉ đơn giản là nghệ thuật thị giác; mà còn là nghệ thuật biểu diễn; chẳng hạn như các tác phẩm giao hưởng; nhà hát và opera. Các Gesamtkunstwerk được nhấn mạnh bởi các chi tiết như sự kết hợp của đá quý vào các bề mặt sơn để thêm vào các hiệu ứng lung linh.

Casein paint on stucco, inlaid with various materials – The Secession Building, Vienna

Adele Bloch-Bauer I (1903-1907)

Mô tả và phân tích:

Tác phẩm này, được nhiều người coi là tốt nhất của Klimt. Trong số tất cả những người phụ nữ Klimt vẽ từ cuộc đời; Adele Bloch-Bauer, vợ của chủ ngân hàng Viennese và ông trùm đường Ferdinand Bloch-Bauer.

Bức tranh chủ yếu liên quan đến việc giải thể thực tại thành dạng trừu tượng thuần túy. Việc sử dụng lá vàng và bạc nhấn mạnh bản chất quý giá của những viên ngọc quý mà Bloch-Bauer đang mặc; cũng như độ sâu của tình yêu dành cho cô cảm thấy bởi Ferdinand; người đã đưa bức tranh này lên.

Tác phẩm nằm trong giai đoạn vàng “Golden Phase” của Klimt từ thập niên đầu tiên của thế kỷ 20; trong đó ông đã sử dụng hàng chục mẫu vàng và sắc thái kim loại trong các bức tranh của mình để tạo ra những hiệu ứng lấp lánh này. Không có gì đáng ngạc nhiên, khi nhà thơ Osterreichische Galerie Belvedere nhận được bức tranh, nó được đặt tên là The Lady in Gold, cái tên mà đôi khi nó vẫn còn được biết đến ngày nay.

Oil, gold and silver leaf on canvas – Neue Galerie, New York City

The Kiss (1907-08)

Mô tả và phân tích:

The Kiss có lẽ là lễ kỷ niệm nổi tiếng và rõ ràng nhất về tình yêu gợi tình của Klimt; và có lẽ tác phẩm được sao chép nhiều nhất của anh. Giống như Bloch-Bauer I; nó là một trong những bức tranh quan trọng của “Giai đoạn vàng” của Klimt kéo dài khoảng từ 1903-09, và thường được coi là một ví dụ điển hình của bức tranh Art Nouveau. Nó thể hiện khả năng tổng hợp một tác phẩm của Klimt trong khi vẽ trên một loạt các nguồn bất thường, mặc dù thành phần tổng thể vẫn khá đơn giản.

Với những nghiên cứu của Klimt về hình tượng nam giới với bộ râu; thật cám dỗ khi xemThe kiss như tự truyện. Bằng cách để lại đặc tính của những hình ảnh không rõ ràng; Klimt cho phép hình ảnh của The Kiss thể hiện một tầm nhìn bao la, vô tận của tình yêu lãng mạn; chứ không phải chỉ là ý nghĩa cá nhân và tình huống, do đó mở rộng sự hấp dẫn của nó.

Oil, gold and silver leaf on canvas – Osterreichische Galerie Belvedere, Vienna

The Park (1909-10)

Mô tả & Phân tích:

Bắt đầu ngay sau khi chuyển giao thế kỷ mới; Klimt chuyển sang bức tranh phong cảnh như một thể loại quan tâm khác; gắn liền với họa sĩ mười lăm năm qua của sự nghiệp của mình. Mặc dù phong cảnh của mình như thế này cho thấy rằng Pointillism gây ảnh hưởng lớn đến anh ta, Klimt không bao giờ bày tỏ sự quan tâm đến việc sử dụng quang học trong công việc của mình; và các khía cạnh chính thức của The Park dường như chịu đựng điều này.

Klimt không sử dụng các chấm màu sắc đối lập với màu sắc để tăng độ sáng của các lá xanh, vàng, hoặc xanh lá cây có trong lá cây. Thay vào đó, chín phần mười của bức tranh vuông xuất hiện như một bản vá trừu tượng kết cấu lớn; như một khảm trang trí.

Oil on canvas – The Museum of Modern Art, New York

Nude Figure (ca. 1913-14)

Bản vẽ này, có từ những ngày sau này trong sự nghiệp của Klimt; là một ví dụ điển hình về nghệ thuật gợi dục của ông. Các phác thảo của một người phụ nữ ngả và chạm vào bộ phận sinh dục của cô chỉ đơn giản là cung cấp các yếu tố đường nét của hình; với thậm chí ít chi tiết như các bề mặt và không gian xung quanh cô.

Chúng ta thậm chí không chắc chắn nếu phần lớn thân hình của cô ấy được bao phủ trong một tấm ga trải giường hoặc một mảnh quần áo; hay thậm chí bề mặt bên dưới cô ấy là gì. Phần chi tiết nhất của bản vẽ, có lẽ một cách thích hợp, là khu vực có chứa bàn tay và phần kín. Điều này, kết hợp với sự nhẹ nhàng của phần còn lại của bản vẽ; để lại nhiều cho trí tưởng tượng của người xem để lấp vào – giúp nâng cao tính khêu gợi tổng thể của nó.

Blue pencil on paper – Collection of the Vienna Historical Museum